Suonare l’insieme delle note oppure suonare pensando nota per nota al suono della nota successiva?
Domanda: Come possono gli ensemble suonare ritmicamente insieme?
Risposta. Cantando tutti le stesse suddivisioni.
“Ogni volta che lavoro con gruppi nelle scuole superiori o nelle università, trovo utile (oltre che necessario) ricordare a tutti i musicisti che ogni musicista nella band è simile al dito di un’entità musicale dalle mani giganti che suona questa band come un grande sintetizzatore. Siamo tutti parte di una sola mente e di un unico impulso musicale.
In un altro modo, ogni musicista deve essere un batterista, e il batterista deve essere ogni musicista.
(Da un’intervista con Bob Brookmeyer, 12 ottobre 1999, su Jazz Improvisation Magazine)
(Rispondendo alla domanda: “Quando hai lavorato per la prima volta con la band, hai detto che stavi lavorando con loro per suonare meglio; ti riferisci all’articolazione e alle sottigliezze dell’approccio agli arrangiamenti di una big band da un gruppo più piccolo o da un’atmosfera jazz? Su quali cose specifiche stavi lavorando con loro per sviluppare le loro prestazioni?”)
Bob Brookmeyer: “Beh, tutti i gruppi jazz hanno lo stesso problema. Suonano le crome troppo brevemente. Non danno alle pause, che siano pause di ottavi o intere, il loro giusto valore. E piccole cose, come la prima nota di una frase è la nota più importante. Se la prima nota della frase ha il peso e la dimensione corretti, allora il resto della frase probabilmente andrà bene. Ma quasi tutte le band imbrogliano la prima nota. È come se volessero arrivano all’ultima nota e poi tornano a casa presto! Quindi questa è una cosa. “
“La produzione di crome… dico loro di renderlo un “doo-waah”, quindi la prima nota di due crome. invece di “da-dat.” è “doo-waah.” Quindi, qualsiasi suggerimento e i principi su come suonare in modo rilassato e in modi che ho imparato nel corso degli anni, e ho imparato a tradurli per l’uso in big band, professionali o universitari.
Il fraseggio interpretativo da parte dei musicisti, nel lavoro di squadra come sezione (trombe, tromboni, fiati, ritmo, ecc.), risulta in una miscela di intenzioni ritmiche che altrimenti potrebbe essere caratterizzata nella maggior parte dei casi come “swing”. Lo swing può essere caratterizzato come uno stile musicale “orizzontale” che si muove in avanti, che scorre senza sforzo e con energia allo stesso tempo. Se tutti nel gruppo rimbalzano verso la stessa suddivisione, ci sono buone probabilità che la band stia oscillando.
Nota: i batteristi pensano e/o suonano le note tra le “note”. È una buona idea che anche i suonatori di tastiere, archi e fiati riempiano questi spazi.
Tempo, lunghezze delle note, contrappunto e tecnica:
Tempi veloci
La chiave per giocare velocemente: mantenerlo leggero e fluttuare e vedere il quadro generale, ancora una volta, non avere troppa fretta. Molto probabilmente il tuo motore è abbastanza potente da portarti “là” con tempo ed energia da spendere! Naturalmente, con un ritmo veloce sarà quasi impossibile cantare da solo le suddivisioni della musica. L’allenamento che fai per ultimo a ritmi più lenti rafforzerà la tua intolleranza alle pause impropriamente spaziate a qualsiasi ritmo. Il noto educatore jazz Hal Galper raccomanda agli improvvisatori di contare o sentire la musica in “2” (o “tempo tagliato”); sostiene che questo concetto consentirà al giocatore di esprimersi in modo più oscillante.
Tempi lenti
L’obiettivo quando si gioca a un ritmo lento è non accelerare o rallentare!
I ritmi lenti possono essere impegnativi, ma penso che siano molto divertenti. Puoi davvero goderti lo scenario musicale mentre scorre, e lo spazio nella musica ti dà un’eccellente opportunità di fare il punto sul tuo suono e sul tuo tocco, così come sul tuo innato senso del tempo.
Quando canto a me stesso la suddivisione di qualsiasi battito di solito non conterò parole o sillabe (come “1-e-&-ah, 2-e-&-ah” o “1-trip-let, 2-trip-let”). Invece, canterò a me stesso una suddivisione musicale reale o immaginaria. come una parte di chitarra ritmica o il coro di fiati di una sezione di fiati della Count Basie Big Band. Sto improvvisando una forma di contrappunto ritmico a tutto ciò che sta succedendo. Va bene cantare quello che vuoi. L’importante è onorare gli spazi tra le pulsazioni e le note della musica.
La chiave per suonare una ballata: non devi avere fretta di arrivare da qualche parte!
(Tuttavia la cadenza è una linea sottile tra “rilassato” e (possibilmente) rallentare: GUARDALO!) In una ballata (o qualsiasi canzone, del resto), ci sono 2 responsabilità: 1. verso la sensazione e l’emozione della canzone , e 2, al TIME!
La durata delle note
Qualunque sia il tempo, fai attenzione alla durata delle note. Che sia scritto lungo o breve, o articolato come il tuo
desideri interpretativi del cuore, la giusta lunghezza di una nota aiuterà la musica a sentirsi meglio. I compositori e gli arrangiatori sono generalmente piuttosto specifici quando annotano una particolare lunghezza di nota. Quando si suona in un ensemble. il successo di un brano musicale dipenderà in larga misura da tutti coloro che suoneranno la musica così come è scritta. A volte sarà necessario accorciare la lunghezza di una nota per “arrivare” correttamente alla nota successiva nel tempo (cioè la lunghezza appropriata di una nota può fungere da sorta di trampolino di lancio. Lo stesso vale per le nostre amiche note silenziose, pause .).
La corretta articolazione è uno strumento chiave nella cassetta degli attrezzi delle tecniche del musicista.
Contrappunto
Non importa il tempo, il contrappunto ritmico è una chiave importante per sentire, sia espresso (suonato) che realizzato internamente. In altre parole, musicisti improvvisati, siano essi solisti o accompagnatori della sezione ritmica. dovrebbe sempre comporre linee e motivi che completano e contrastano le linee melodiche che si trovano altrove nella musica. Se stai interpretando una parte scritta, rendila parte del tessuto della musica, intreccia la tua parte nel mosaico complessivo. Realizzando e interiorizzando tale contrappunto di creatività e consapevolezza, ti dai uno straordinario strumento di riferimento e ispirazione.
RITMI INDIANI PER BATTERIA
– INTRODUZIONE E BACKGROUND
Le tradizioni musicali carnatica (meridionale) e indostana (settentrionale) dell’India sono due dei sistemi ritmici più dettagliati e intensi del mondo. La tradizione carnatica in particolare ha un sistema di elementi costitutivi e strutture che possono essere impiegati sulla batteria o su altri strumenti a percussione all’interno di altri stili musicali (jazz, rock, funk, ecc.). Il sistema ritmico carnatico è organizzato metodicamente in modo da fornire concetti di assolo, riempimento, groove e costruzione di frasi molto ampi in qualsiasi stile, sia che si tratti di thrash metal, classica occidentale o intricata improvvisazione jazz. Questo sistema ha dato ispirazione ad alcuni dei più grandi artisti della musica occidentale, tra cui i batteristi Steve Smith e Trilok Gurtu e il chitarrista John McLaughlin.
Per molti anni c’è stata una certa mistica attorno alla musica indiana. È vero, i ritmi possono sembrare incredibilmente complessi. Ma se sviluppi una comprensione delle radici del fraseggio indiano, alla fine sarai in grado di capire cosa sta succedendo e sviluppare idee simili all’interno del tuo approccio ritmico.
Lo scopo di questo libro è spiegare alcune delle formalità ritmiche indiane (principalmente del sud) in modo chiaro e tithmierstmalable. Analizzeremo i sistemi in dettaglio controllando prima l’applicazione tradizionale e controllando prima la fonetica comune (sillabe). denti, esempi di istruzioni e qualsiasi modo in cui queste idee possono essere utilizzate per esplorare i modi inseriti. Alla fine del libro avrai moltissime informazioni da esplorare, inclusi nuovi concetti di groove e assolo, idee di fraseggio avanzate, modulazioni ritmiche e sticking insoliti. L’obiettivo è fornire al lettore sufficienti basi sulle formalità per consentirgli di sviluppare idee e concetti propri e integrarli nel loro modo di suonare.
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